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L’histoire du design scandinave : l’émergence d’un style – Partie 1

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La France connait depuis une dizaine d’année un engouement pour le design scandinave, et pourtant l’intérêt pour ce design ne date pas d’hier. Dès l’entre-deux-guerres les Français s’intéressent au design des pays Nordiques qu’ils découvrent lors des expositions universelles à Paris en 1900 et 1925. Mais c’est véritablement en sortant de la Deuxième Guerre mondiale que le design scandinave, et plus particulièrement le mobilier danois, connait un succès grandissant. Les années 40 à 70 vont voir naître les créations de grands noms du design scandinave que nous admirons encore aujourd’hui : Kaare Klint, Alvar Aalto, Bruno Mathsson, Arne Jacobsen, Poul Henningsen, Finn Juhl, Hans J. Wegner, Börge Mogensen, Grete Jalk, Nanna Ditzel, Poul Kjaerholm, Verner Panton, pour en nommer que quelques-uns des plus connus. Aujourd’hui leurs créations font partie du patrimoine mondial du design, et sont recherchées par les amateurs du design, non seulement en France, mais partout dans le monde.

Ainsi afin de vous aider à mieux comprendre la particularité de ce design, ses créations, l’évolution de son style, les matériaux utilisés ainsi que les designers et fabricants connus et moins connus, nous allons dans les mois à venir vous présenter une série d’articles, vous permettant, par la suite, d’identifier plus aisément ce design. Dans notre premier article nous allons voir l’émergence du design scandinave, qui débute déjà avant la Deuxième Guerre Mondiale, ainsi que les particularités des 3 grands pays scandinaves, le Finlande, la Suède et le Danemark, dans le domaine du design :

En effet, l’émergence du design et surtout du mobilier Scandinave débute déjà avant la Deuxième Guerre Mondiale, poursuivant son ascension pendant les années 50 et les années 60. Comme nous le verrons, tous les pays européens vont être marqués par cette poussée tout à fait exceptionnelle. Si les Etats-Unis, l’Angleterre et l’Allemagne font partie des premiers pays d’exportation des fabricants de meubles Scandinaves pendant les 30 glorieuses, la France n’est pas en reste. Dès la sortie de la Seconde Guerre Mondiale, la France se passionne pour les pays scandinaves ; leurs modes de vie, leurs systèmes scolaires, leur architecture et leur design. Si dans un premier temps c’est la Suède qui fait l’objet de toutes les attentions, ainsi que la Finlande, notamment avec les créations du finlandais Alvar Aalto et le suédois Bruno Mathsson, c’est rapidement le Danemark qui va s’imposer en tant que grande nation du design.

Mais faisons un petit tour d’horizon des pays Scandinaves afin de mieux comprendre l’émergence du design dans ces pays nordiques.

 

La Finlande

La Finlande est le pays le plus septentrional de la Scandinavie, étrange pays recouvert de grandes étendues de forêts de pins et de sapins. Dans ce pays où les hivers sont extrêmement rudes, le peuple reste très proche de la nature, une relation particulière dont atteste le design finlandais. Ceci se traduit notamment par un très grand respect des matériaux et un goût prononcé pour les formes naturelles. Ayant pendant des siècles dû lutter contre un environnement extrêmement hostile et repousser nombre d’envahisseurs, le peuple finlandais s’est progressivement forgé une incroyable force et une détermination à surmonter l’insurmontable. A l’opposé de ce tempérament plutôt introverti, la création a été le vecteur d’une très grande expressivité. La longue lutte contre l’envahisseur va se traduire par un fort attachement aux traditions, et par l’affirmation de leur identité culturelle, économique et politique. L’une des grandes sources d’inspiration pour de nombreux artistes est le fameux poème Kalevala, composé par Elias Lönnrot (1802-1884) en 1835 et basé sur la mythologie finlandaise. Ce poème incarne pendant la seconde moitié du 19ème siècle la source culturelle unique de l’art et du design en Finlande. C’est à partir de là que le Romantisme National finlandais se développe, incarné notamment par Eliel Saarinen (1873-1950), l’architecte du pavillon finlandais à l’Exposition Universelle de 1900 à Paris, et qui deviendra plus tard le président de la Cranbrook Academy of Art aux Etats-Unis. Cette académie a formé tous les nouveaux créateurs américains d’avant-garde, comme Charles et Ray Eames (1912-1988). A Cranbrook, Eliel Saarinen va promouvoir les principes humanistes du design scandinave. Son fils, Eero (1910-1961), deviendra par la suite l’une des grandes figures de la création d’après-guerre.

 

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Eliel Saarinen, Cranbrook Arm and side Chairs, env. 1929                                      

 

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Eliel Saarinen, House Round Table and Chairs, env. 1929-1930              

 

Le Romantisme National prôné par Saarinen s’inscrit dans le mouvement européen de l’Art Nouveau, ce sera par la suite l’un de signes caractéristiques du design finlandais : une aptitude à intégrer à la fois le national et l’international dans les créations. Saarinen crée notamment une série de meubles en bois où la tradition nationale et rustique est parfaitement perceptible. De même, le lien avec la culture paysanne reste très présent, utilisant essentiellement du bois d’origine indigène comme le bouleau, l’érable, le chêne mais également l’acajou importé dans ces premières créations. Il s’inscrit dans une esthétique qu’on peut lier aux Arts and Crafts anglais.

Pendant la Première Guerre mondiale, le design finlandais est toujours influencé par l’Art Nouveau, ce n’est que dans l’entre-deux-guerres avec les créations de l’architecte Alvar Aalto (1898-1976) qu’un nouveau genre de création va émerger.

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Alvar Aalto, Fauteuil « Paimio », 1932. Encore aujourd’hui édité par Artek.   

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Alvar Aalto, Fauteuil 401, 1933. Toujours édité chez Artek.

 

Après la Seconde Guerre mondiale, la Finlande, contrainte de payer des indemnités de guerre à la Russie, doit retrouver sa confiance nationale. Les années cinquante verront naître de grands créateurs finlandais qui permettront à la Finlande d’accéder à un statut international. Des créateurs tels que Tapio Wirkkala (1915-1985), Timo Sarpaneva (1926), Vuokko (1927), Antti Nurmesniemi (1927), Ilmari Tapiovaara (1914-1999) et Maija Isola (1927-2001) vont élever le design finlandais à un niveau esthétique jamais atteint auparavant et rencontrer par la même occasion beaucoup de succès lors des différentes expositions organisées aux quatre coins du monde, notamment aux fameuses Triennales de Milan.  

 

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Wirkkala, Vase Kantarelli, 1946. Pour la Triennale de Milan en 1951 – 100 pièces fabriquées en deux séries de 50 et 50 (uniquement 25 pièces appartenant à la deuxième série)  

 

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Timo Sarpaneva, modèle « Claritas » et « Tear »                      

 

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Antti Nurmesniemi, Tabouret

 

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Ilmari Tapiovaara, siège « Domus » 

 

La Suède

La Suède est le pays le plus grand des cinq pays scandinaves. C’est également un pays de contrastes, jalonné de lacs, de forêts, de cascades, de plaines agricoles et de nombreuses petites îles. Depuis la Seconde Guerre mondiale, elle est restée neutre face aux conflits. Et comme la plupart de ses voisins scandinaves, elle a su transformer une économie relativement pauvre reposant sur l’agriculture en une nation industrialisée avec un système de production sociale très avancé et très admiré de la communauté internationale. La religion d’Etat est le luthéranisme, religion insistant sur la moralité personnelle et sur l’idée de « foi vivante ». Une conception du monde qui orientera le design vers la pureté, la fonctionnalité et l’harmonie sociale. L’humanisme ayant pénétré la vie suédoise dans tous ses aspects, le design suédois est marqué par la croyance en un devoir moral de produire des solutions susceptibles de répondre à des besoins sociaux réels. Au 20ème siècle, la Suède, au prix d’une pression fiscale la plus élevée au monde, a bâti un système de protection sociale universelle souvent vu comme le plus généreux, prévoyant entre autres de nombreuses prestations gratuites (c’est-à-dire financées par l’impôt) dans le domaine de l’enseignement scolaire, de l’accueil de l’enfance, des services de santé, des retraites, de l’aide aux personnes âgées, des services sociaux et autres régimes sociaux. L’Etat Providence, « folkhemmet » comme disent les Suédois (littéralement la maison de tout le peuple), fut un projet de société suivi avec le plus vif intérêt par les politologues et les politiques du monde entier. D’autres pays s’en sont d’ailleurs inspirés à maints égards. L’expérience suédoise revêt plusieurs appellations : « voie moyenne », « prise en charge du berceau à la tombe », et bien sûr le « modèle suédois », n’en sont que quelques unes.

Les arts décoratifs suédois sont également issus d’une longue tradition. Déjà au 18ème siècle, le roi Gustav III (règne 1771-1792) instaure un néo-classicisme très inspiré du modèle Français, même s’il demeure plus léger, avec des influences de Rococo ou de style Louis XV, avec des intérieurs peints dans des tons pastels, des meubles en pin de couleurs pâles et des planches de bois nus. Style aujourd’hui baptisé style Gustavien, il connaît régulièrement des regains d’intérêts dans sa version plus romantique, en France comme en Scandinavie ces dernières années. 

 

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Paire de Fauteuils style Gustavien datant de la fin du 18ème siècle.

 

Entre 1830 et 1840, la Suède est influencée par le Biedermeier allemand, qui convient bien à l’esprit suédois qui prône simplicité et modestie. Au milieu du 19ème siècle, on parle du mouvement du « renouveau » caractérisé par un mélange d’influences historiques allant du gothique au baroque voire même au rococo. Les artistes fin de siècle comme, par exemple, le peintre céramiste, verrier et designer Gunnar Wennerberg (1863-1914) vont introduire un style proche de l’Art Nouveau inspiré de la nature, dans une version plus simplifiée que celle du mouvement français.

 

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Vase de Gunnar Wennerberg, env. 1900

 

En réponse à cet éclectisme se constitue en 1845 la Svenska Slöjdföreningen (Société Suédoise des arts et de design industriel), la première association de designers au monde. L’idée de la Svenska Slöjdföreningen est d’apporter des améliorations aux produits issus de l’artisanat grâce à la coopération des forces artistiques, de faire progresser la culture domestique et d’élever le niveau général du goût. La Svenska Slöjdföreningen est animée par l’idée que le design devrait être utilisé comme catalyseur du changement social.

A la fin du 19ème siècle, sous l’influence des Arts and Crafts anglais, la Suède va, pendant une courte période, se tourner davantage vers ses racines culturelles, et notamment vers la ruralité. Dans cette optique, Carl (1853-1919) et Karin Larsson (1859-1928) meublent et décorent leur petite maison de Sundborn dans un style simple, sans prétention, mélange de culture paysanne et de vision idyllique d’une maison de campagne classique. Les réalisations des Larssons peuvent être vues comme le reflet d’un refus de la société industrielle qui commence très doucement à s’opérer en Suède. Les intérieurs des Larssons ont été largement diffusés par des séries d’aquarelles que Carl Larsson a peintes de leur maison, et reproduites dans l’album « Ett Hem » (1899). A Paris nous avons pu admirer ses illustrations au Petit Palais en 2014. 

 

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Aquarelles de Carl Larsson montrant l’intérieur de sa maison en Suède. 

 

Ces images de Carl Larsson vont largement inspirer l’écrivain féministe suédoise Ellen Key (1849-1926) pour son pamphlet « Skönhet aat alla » (La Beauté pour Tous, 1899). L’idée de Key était qu’en élevant le goût des consommateurs et en développant leur perception esthétique, les normes du design pourraient être modifiées, reflet d’une profonde transformation sociale. Selon elle, un bel environnement contribue au bien être. Les idées de Key seront traduites par bon nombre de produits suédois bon marché confectionnés au début du 20ème siècle. En 1915, la Svenska Slöjdföreningen crée une agence facilitant les contacts entre créateurs et fabricants afin d’améliorer la qualité du design suédois, et d’encourager la création d’objets simples, de bonne qualité et surtout bon marché. Pourtant, ces objets ne rencontreront qu’un très faible succès car, issus de l’art industriel, ils ne touchent pas la clientèle escomptée, à savoir la classe ouvrière. Bien que le coût de ces objets ait pu être prohibitif, c’est plutôt la connotation de ces objets domestiques « simples », inférieurs, qui a lourdement affecté les ventes. Ce n’est qu’après la Première Guerre mondiale que l’idée de la simplicité comme principe de beauté commence à s’imposer notamment sous l’effet des événements européens.

Dans un prochain article nous allons voir comment le modernisme s’est introduit dans le design Suédois et le début du design danois…

> Découvrez la suite du dossier consacré au design scandinave

 

 

Ecrit par Rikke JACOBSEN
Docteur en Histoire de l’art – Design, diplômée de la Sorbonne Paris IV
Thèse sur le sujet du « Mobilier en bois après la Seconde Guerre Mondiale »